喜欢Techno音乐的没有人不认得Richie Hawtin， Derrick Mays说他太有才华了，因此遭到太多人的妒忌；也因为妒忌导致他不但被拒Detroit音乐圈外，更被美国拒之门外，但是他却以他的乐观在欧洲打开了局面。这次在UA的展台遇到Richie非常的幸运，看到他跟每一个过来跟他交谈的人都亲切坦诚地沟通是对他的第一印象。其实我对他并不熟悉，但是他却对我提出的访问要求欣然接受。

以下采访NS＝Neosinewave，RH=Richie Hawtin

NS：能跟我们说一下你的音乐制作的流程吗？

RH：我很难理解其他人是怎么做音乐的，我只是找到了适合我自己的方法。我觉得这点非常重要。可以通过阅读，自学或者上课获取音乐制作的知识当然很好，但是作为音乐人，你需要相信你自己的感受，顺其自然，因为音乐本应是自然的。但是当我们开始在录音的时候加入各种科技手段，和各种插件，就很容易让音乐变得太过做作。能在电脑上修改音高，调整曲子的编排，加入自动化（automation）当然很好，但是如果你做得过分完美，就等于在电脑屏幕上消除了原本人应该有的情感， 包括人与机器的互动，各种滤波的变化等等。而我认为正是因为能捕捉到人的肢体语言，以及与音乐设备的细微互动，才让电子音乐变得了不起。这也是我觉得很多现在的音乐制作里缺少的。

NS：看到一些报道说你最近只是在用电脑做音乐对吗？

RH：我有在用电脑，也有用合成器和其他硬件，对于我来说这是一个平衡。我觉得制作音乐关键并不在于是否只用电脑，而是要把我们平时演奏乐器的各种肢体语言带进电子音乐。就像要弹吉他，拨弦的轻重，音与音之间的间隔；或者是敲鼓的时候，击打的位置，时机和等待下一次击打的时间，其实都是跟电子音乐一样的。因为拥有各种科技手段，拥有电脑，让我们太容易去对音乐进行修改。我的意思是，应该让这些科技手段和电脑去捕捉现场发生的，然后尽量把它给保留下来。不要过多地去想你在做什么，尽量不要通过科技手段过度完美结果而掩盖了你本身的个性。比如说，我如果正在使用5个不同的插件，我会用5个控制器去分别控制这些插件。制作一个loop，一条旋律或者是节奏，然后开始用这些硬件控制器去控制插件，并把这个过程给录下来。很像是一个现场的jam，更形象地说是在演奏一件乐器，但是这件乐器是technology。

NS：你曾经提到过是有10年时间你是使用纯硬件工作的吧？

RH：我做音乐的前十年是用纯硬件做音乐的，后十年则只是用电脑制作音乐。而现在我两者都用。在我工作室的一边，我有Dave Smith的合成器，罗兰的鼓机；同时也有一台单独的电脑上加载了效果器，插件以及采样器。当我创作音乐的时候，我会用不同方式使用这些设备，然后通过一台装有Pro Tools的电脑进行分轨录音。我经常会jam 二三十分钟，然后停下来。当我感觉很顺畅的时候，录音里一定就是有什么我能用上的，然后我会重新听录音的结果。结果满意的话，我就会把作品保留起来，调整一下音量，或者去掉一些不必要的部分。用这种方式我会在作品留下我自己的声音。因此你在作品中不单止能听到Roland，Yamaha，Dave Smith，还能听到Richie Hawtin；同时Richie Hawtin的风格并不会因为使用这些设备而被掩盖掉。所以不管我的专辑是好是坏，不管你喜不喜欢听，它们都有连贯性。Richie Hawtie的风格并不会说因为我使用909的鼓机而有连续性，因为我并没有一直使用909；也不会因为我之前用过Dave Smith合成器，后来不用了，而失去连续性；更不要提我从Cubase慢慢换到Ableton和Pro Tools的过程。这25年来唯一不变的就是我自己，这也是其他人能听到和感受到的。

NS：那你在工作室制作音乐和你平时的演出之间也有相应的连贯性吗？

RH：在工作室创作音乐是一个很私人的过程，更体现了我内向的一面。只有我和一堆设备，像跟朋友混在一起。当上到台上的时候，我觉得我会更外向，不但音响效果会被放大，我还需要思考如何让舞台前的观众一起参与进我的演出里。我在舞台上使用设备的方式， 跟在工作室也是一样的。即使我放的不是自己的音乐，我也会像在工作室创作音乐一样，用相似的方式加入鼓或者使用delay效果。即便不是我的音乐，但是却有Richie的个性在里面。这也回到了一个问题，到底决定艺术家一生的连贯性是什么？如果说只是一根画笔，或者是吉他手弹的那把特制的吉他的话，可能这更多的只是科技上的连贯性。而最好的艺术家，我认为是那些在成长路上有连贯性，并最终找到属于自己声音的人。

NS：你最早的作品Orange感觉非常的强势，但是之后慢慢就开始变得很简约了，这之间的连贯性在哪里？

RH：Orange是个很好的例子，因为1998年我当时20岁，可以说是年轻气盛。当我的生活慢慢开始发生变化，5，6年以后的Plastikman专辑肯定是有不一样的。但是当你深入去看，我的作品还是一如既往的结构分明和简约。跟人是一样，你无论是生气，沮丧，你仍然是你，你的个性不会突然消失，一定是有一个连贯性。因此我希望我的音乐也是如此。

NS：本来想跟你多聊一点跟设备相关的问题，但是似乎用什么设备并不是关键。

RH：我很乐意跟其他人分享我在工作室里用设么样的设备，在现场怎么演出。因为即使给他们跟我一摸一样的设备，也不会有一个人会用跟我用同样的方式使用这些设备。不管是同时观赏一幅画，同时品尝一杯酒，我们都会有自己的方式去感受这个世界。我们应该学会去欣赏自己看问题的视角，并允许这个独特视角的发展；也应该学会欣赏别人看问题的方式。有的时候当我听到其他音乐人作出很棒的音乐，我也希望自己能做同样的音乐，但是我做不到，因为我不是他们。我认为最好的音乐，或者最好的艺术到最后就是对艺术家自身的直接映射，而一切到了这个时候都是最自然的。我认为制作电子音乐也应该是这样，不要被各种插件和设备束缚，而是用自己的想法，个性和感觉去让设备的特点得到放大，这样的话，即使是使用相同的设备，你也会和设备之间产生与别人不一样的共鸣。 

本文采访者胡岩鹏(a.k.a Neosinewave) 就读于荷兰，本科主修爵士钢琴，研究生专攻媒体类作曲和声音设计，演过先锋实验音乐，也做各种电子音乐，喜欢通过实践去了解不同风格音乐的技术和声音特点。